Die neue Arbeit von Omer Fast besteht aus drei Teilen. Das Projekt basiert auf einem Gespräch mit einem westafrikanischen Flüchtling, der in London jüngst Asyl beantragt hatte. In „Nostalgia I“ sieht man einen britischen Wildhüter beim Bau einer Tierfalle. Der Ton dieses Filmes ist allerdings ein Mitschnitt des Original-Interviews, in dem der Flüchtling selbst detailreich vom Bau einer solchen Falle berichtet. Es folgt die Dramatisierung des Gesprächs, in der zwei Schauspieler jeweils den Flüchtling und den Künstler spielen. Dabei handelt es sich keinesfalls um eine geradlinige Übernahme seiner Erfahrungen, sondern um den von Fast manipulierten Idealverlauf des Gesprächs. Deutlich wird, wie sich die Führung des Gesprächs vom Künstler zum Flüchtling verlagert, der somit seine Wahrheit den Erwartungen des Interviewers an passt. Den Hauptteil der Arbeit bildet der aufwändig in London gedrehte und im Folgenden von Omer Fast beschriebene Film. Dieser nimmt bestimmte Details der Lebensgeschichte des Flüchtlings wieder auf, und bettet sie in diverse Szenen ein, die in einer möglichen Zukunft spielen, oder vielleicht eher in einer alternativen Vergangenheit.

„1980 brach der Jüngste Tag über die Welt herein und versetzte sie tief in ein zweites Mittelalter zurück. Nordeuropa ist nur noch Niemandsland und Großbritannien ist zu einem unfruchtbaren Sumpf geworden, in dem nomadische Stämme umherstreifen und sich wegen der aufgebrauchten Ressourcen gegenseitig bekämpfen. Der einzige stetige Export dieser einst sagenhaften Insel sind die Migranten, die verzweifelt und mit der Hoffnung auf ein friedlicheres und glücklicheres Leben über das europäische Festland nach Afrika strömen. Die Geschichte spielt in einer westafrikanischen Kolonie, einer kollektiv abgesperrten Gemeinschaft, die festungsähnlich sowohl über einer alten Mine haust als auch im Untergrund. Ein Flüchtling aus Surrey im Süden Großbritanniens wird zur genauen Lage eines weiteren Tunnels verhört, der von Schleppern dazu benutzt wird, weitere Briten in die Kolonie zu schmuggeln. Ihm wird das Geschäft seines Lebens angeboten, und er muss sich nun dafür entscheiden, seine Freunde zu verraten und seine Zukunft zu sichern. In den 24 Stunden, die ihm für die Entscheidung bleiben, wandert seine Geschichte durch die Kolonie und wird von ihren Bewohnern, den eigenen Interessen folgend, angeeignet und nacherzählt.“ (Omer Fast)

Ein Sonnenblumenfeld, fünf Kirschen auf einem gemusterten Stoff, eine Frau vor einem karierten Tuch – die Bildmotive von Annette Kelm geben Rätsel auf. Sie scheinen einfach und sind es nicht. Immer hat sich etwas Seltsames, Absurdes in die Bilder geschlichen. Bei dem Foto „Venice Zurich Brussels“ sind es vor allem die schrillen Farben und Muster der Stoffe. Vage erinnern sie an die Mode der 70er Jahre. Gleichzeitig könnte man in dem hellblau-roten Muster auch eine Landkarte erkennen, mit vielen Inseln darauf. Bei „Michaela, Coffee Break“ verwundert die ungelenke Haltung der jungen Dame. Warum hält sie nur den Becher so hoch? Handelt es sich gar um ein Zitat einer altmodischen Geste, wie sie manchmal auf Porträts zu finden ist? Annette Kelm schafft es, durch Irritationen die Neugierde zu wecken, Fragen über mögliche Zusammenhänge aufzuwerfen. Manches erscheint zufällig, improvisiert. Doch in allen Bildern herrscht eine fast unheimlich zu nennende Ruhe. Keinerlei Handlung lenkt von den eigenwilligen Bestandsaufnahmen ab – seien sie nun Dingen oder Menschen gewidmet. Im Grunde handelt es sich bei den Fotos von Annette Kelm weniger um Aufnahmen als um Inszenierungen. Die Kirschen beispielsweise wirken so artifiziell, weil sie das auch sind: kleine Kunstwerke aus Murano-Glas, in denen sich das Licht und auch die Künstlerin selbst spiegeln. Die Bilder von „Michaela, Coffee Break“ wiederum entstanden als Schwarz-Weiß und Farb-Polaroids, die anschließend mit einem Farbfilm nochmals abfotografiert wurden. Daher die farbige Tonigkeit der Fotos. Die veraltete Technik bringt Vergangenheiten in das Porträtspiel, lässt zusammen mit dem gerasterten Stoff im Hintergrund etwa an Bewegungsstudien aus der Frühzeit der Fotografie denken. Nur: bei Annette Kelm bewegt sich nichts. Die serielle Abfolge der Aufnahmen dokumentiert eher die langatmige Tätigkeit des Porträtierens – also die Arbeit der Fotografin selbst. Ähnlich verhält es sich bei „Archaeology and Photography“, einer Art surrealem Gipfeltreffen aus Büchern und Zucchini. Die Buchtitel deuten Referenzen an, Annette Kelms Leidenschaft für abgelegte und zugeschüttete Dinge des Alltags etwa, die sie für ihre Fotos wieder ausgräbt. Ihr Interesse für skurrile Stoffe belegt dies, oder auch ihre Begeisterung für Herbert Tobias, einem wichtigen Porträtfotografen der 60er und 70er Jahre, der später auch für Plattencover Fotos geschaffen hat. Annette Kelm hat die Plattencover in einer Ausstellung entdeckt und samt ihrer musealen Inszenierung fotografiert. In der daraus entstandenen Serie „Herbert Tobias Record Covers, Berlinische Galerie ‚Blicke und Begehren‘ 16.5.-1.9. 2008“ rückt weniger die Fotografie in den Blick als vielmehr die kulturelle Schichtung, der wir bei jeder Art von Rückblick ausgeliefert sind. Gerade dieses Zusammenspiel von eigentümlichen Verweisen und Erinnerungen ist es, was die Werke von Annette Kelm auszeichnet und auch innerhalb der jüngeren Fotografie-Entwicklung einzigartig macht.