Kitty Kraus hat für den Preis der Nationalgalerie zwei kinetische Skulpturen geschaffen – eine Novität in ihrem bisherigen Oeuvre. Den materiellen Ausgangspunkt stellen dabei Griffstangen von Einkaufswägen dar. Als isolierte Objekte oder gar von einer Hand umfasst, strahlen die schweren Stangen Macht und eine gewisse Brutalität aus. In den Arbeiten der Künstlerin beschleunigen Motoren diese Stangen und verstärken damit das Gefährdungspotential. Die Bewegungen selbst reichen bis ins Unberechenbare, nehmen gleichzeitig in ihrer permanenten Wiederholung monotone, fast beiläufige Züge an. Mit den Supermarktnamen wie „Plus“ oder „Norma(l)“ kommen Begrifflichkeiten ins Spiel, die über die Shoppingwelt hinaus auf die moderne kapitalistische Gesellschaft verweisen, auf die Mechanismen des Konsums etwa. So ist das sirrende Rotieren der Stangen wie der Grundton einer Gesellschaft zu begreifen, die immer in Bewegung ist, die durch die neuen Telekommunikationsmedien selbst bei einem hohen Tempo angelangt ist. Die exakten Geschwindigkeiten der Arbeiten bleiben allerdings rein visuell nicht bestimmbar. Deshalb sieht die Künstlerin hier eine Parallele zum bargeldlosen Zahlungsverkehr: „Kapital ist im Umlauf, es zirkuliert. Durch die Umwandlung in einen elektrischen Code wird es unsichtbar.“ Unsichtbarkeit zeichnen gerade auch die Glasarbeiten von Kitty Kraus aus: Auf den ersten Blick nimmt man zunächst eher den Raum als das ausgestellte Glas wahr, entdeckt erst die Spiegelungen im Glas, bevor man die genauen Ausmaße des transparenten Objektes erkennen kann. Die Arbeiten stehen damit quer zur heutigen, so stark auf das rein „Visuelle“ und „Optische“ ausgelegten Alltagskultur. Mit den Glasarbeiten lenkt Kitty Kraus die Aufmerksamkeit eher auf tiefer gehende, abstraktere Prozesse unserer Wahrnehmung, etwa den ständig wachsenden Wunsch der Gesellschaft nach mehr Transparenz. Kameras zum Beispiel sorgen an vielen städtischen Plätzen für eine Überwachung des öffentlichen Lebens und bleiben dabei, ähnlich wie die Gläser, fast unsichtbar. Kitty Kraus setzt ihre Gläser stark unter Spannung, biegt wie hier beim Preis der Nationalgalerie eine 6 Meter-Glasbahn bis zum Limit hoch, so dass erneut ein Moment der Gefährdung im Raum steht. Das Glas steht kurz bevor, „sich selbst zu zerstören“, wie die Künstlerin erwähnt. Die spezifische Form der Glasarbeiten hat die Künstlerin von der menschlichen Figur abgeleitet und so nehmen diese schemenhaft Bezug zum jeweiligen Betrachter auf. Letztlich sind alle Arbeiten von Kitty Kraus zutiefst humanistisch, verweisen auf die Endlichkeit und Fragilität des menschlichen Lebens.

Ein verwahrlostes Areal hinter dem Hamburger Bahnhof, von großen Pflanzen überwucherte Gleise. Ein Baucontainer, der scheinbar zurückgelassen wurde und auf anstehende oder vergangene Veränderungen hinweist. Klara Lidén ging in ihrer Arbeit für die Ausstellung von einzelnen Beobachtungen aus, Fundstücken gewissermaßen, die sie in der Nähe des Hamburger Bahnhofs antraf. Baucontainer, erklärt die Künstlerin im Gespräch, sind mehr als Zeichen eines Wandels, sie stellen für sie ein zentrales Symbol Berlins dar – einer Stadt der offenen Potentiale, des beständigen Ausrangierens und der Metamorphosen. Ihr Projekt für den Preis der Nationalgalerie besteht daher in einer höchst widersprüchlichen und in einfachen Erklärungen auch nicht aufzulösenden Skulptur: einem grünen, ganz aus Büschen und Gewächsen geformten Baucontainer, der für die Dauer der Ausstellung im Hof des Museums fest eingepflanzt wird. Die äußere Form wurde mit Eiben aus einer Baumschule geschaffen, das Innenleben stammt von der Künstlerin selbst. Es sind kleinere Büsche, vor allem Ableger von wild wucherndem Unkraut, die Klara Lidén im Stadtraum entdeckte, ausgrub und die nun im akkurat geschnittenen Container zum Kunstwerk aufgewertet werden. Nicht weniger subversiv ist eine filmische Arbeit, mit der die Ausstellung im Hamburger Bahnhof eröffnet: man sieht die Künstlerin am Schreibtisch in einem nüchternen weißen Raum sitzen, einer Art ‚white cube’, bevor sie anschließend vor den Augen der Betrachter im Mülleimer verschwindet. Der prägnante, kurze Film irritiert, gibt Rätsel auf. Man hat das Groteske in Lidéns Filmen bereits mit der Ästhetik des alten Stummfilms, etwa jenen von Buster Keaton, in Verbindung gebracht. Aber die Verblüffung geht tiefer, hinterfragt nicht nur die Rolle des künstlerischen Daseins und die Mechanismen eines Kunstbetriebs (zu dem auch Kunstpreise zählen), sondern vor allem die menschliche Existenz. Alles hat ein Ende. Übrig bleiben, das macht Klara Lidén unmissverständlich deutlich, die Objekte: die Geräte und Apparaturen der Arbeit oder eben die Unkrautbüschel, die jede Kultur besetzen und, langfristig gesehen, auch überwuchern.